Современная Япония — это не только высокотехнологичное государство, но и образец страны с глубоким культурным наследием. В связи с этим, страну «Восходящего солнца» стоит отметить не только, как родину всемирно известных четверостиший «хайку», но и как новатора в области изобразительного искусства, высокой степени колоритности и особой одухотворенности. Большое значение в становлении самобытной живописи страны сыграли японские гравюры.
Таинственное слово «укиё-э»
Одним из стилей изобразительного искусства Японии, популярного в период первой половины 17-го, второй половины 19-го веков, являются японские гравюры. Стиль носит загадочное название «укиё-э», что означает «проплывающий мир». Слово имеет созвучное произношение с буддистским термином «мир скорби», но записывается совершенно иными иероглифами.
«Укиё-э» обладает и другой смысловой тональностью. Мастера художественных изображений, работавшие в данном стилевом направлении, вбирали в себя опыт своих европейских «коллег», которые широко применяли в своих картинах образы, изображаемые на полотнах в перспективе. По этой причине гравюрные изображения выгодно отличались от традиционных картин в стиле «ямато-э», приковывая внимание созерцающего зрителя своей объемностью, «всплывающей» перед глазами.
Японские гравюры «укиё-э», как основная форма живописного искусства, стали отражением самобытного городского уклада города Эдо (нынешний Токио) в период 1603-1868 гг.
Японские гравюры: истоки «укиё-э»
Зарождение гравюрного искусства датируется 794-1185 годами периода Хэйан-дзидай, когда со становлением буддизма стали появляться первые образцы ксилографии (печать картинок посредством дощечек из древесины). Подобная печатная техника преследовала единственную цель – увековечивание буддийских святых ликов, а также наглядной иллюстрации текстового изложения сутр.
Первые оттиски были монохромными, но с началом 8-го века отпечатанные изображения стали содержать в себе цветовую гамму. Ремесленники активно осваивали данный вид изобразительного искусства, создавая гравюры в цвете с изображениями буддийских святых.
С приходом периода феодального военного правления Японии сёгунатом рода Токугава, происходит окончательное самоутверждение гравюры, как самостоятельного вида изобразительного искусства. Временной отрезок, начиная с 1603 по 1868 годы, является периодом преобразования городской культуры, своими художественными веяниями коснувшийся горожан (ремесленников, купцов и т. д.).
Гравюрные изображения стали выполняться большими тиражами в лавках города Киото (столица Японии на тот момент). На начальном этапе массового производства картинки были в черно-белом изображении. Ремесленникам удалось уловить запросы простых горожан, поэтому идеей для тем изображений служила обычная обывательская жизнь. Особую популярность себе завоевали работы с темой куртизанок, а также гейш – девушек, проводивших чайные церемонии. Помимо этого, востребованными были картинки со сценами из обычной жизни простых японцев. Подавляющее большинство изображений не имели высокого качества изготовления, поэтому продавались за мизерную стоимость, что обеспечивало им дополнительную популярность у горожан.
Первым, кто возвел «укиё-э» до статуса высокого изобразительного искусства, стал мастер гравюр Хисикава Моронобу, творивший в период с 1618 по 1694 года в городе Эдо. Своим искусным исполнением творцу удалось сделать старую столицу нынешнего Токио настоящим творческим центром по изготовлению гравюр. Считается, что именно Хисикава Моронобу – «отец» гравюрного искусства. Он первый, кто стал подписывать свои работы, тем самым придавая особую значимость своему ремеслу. Художественная ценность, производимых им работ, достигалась четкостью прорисовывания персонажей и объектов.
Скрупулезность исполнения возвела мастера на пик популярности. Основные темы, которые затрагивал в своих гравюрах Хисикава Моронобу, были понятные жителям запечатленные сценки из повседневной жизни горожан Эдо. Плодотворно работал мастер и над созданием живописных картинок, показывающих причудливую природу местного края. Творчество Моронобу не обошло своим вниманием и женскую красоту. Наиболее известным является его сборник творений «Сто изображений женщин этого бренного мира».
Хисикава Моронобу принимал активное участие в оформлении издаваемых книг. Первым его шагом в этом направлении был поэтический сборник «Букэ хякунин иссю», увидевший свет в 1672 году. С тех пор мастер гравюр приложил свою руку не менее, чем к 150 книжным изданиям.
Миронобу является основателем «итшлаи-э» (оттиск на одном листе) — авторской гравюры, имеющей свою художественную самодостаточность и законченность.
Впоследствии художник открыл свою школу, где трудились его ученики, желавшие овладеть отточенным стилем мастера. Наиболее ярким последователем творца был Сугимару Дзихэи, создававший работы в похожем стиле.
Японские гравюры в цвете
Впоследствии японские гравюры стали терять свою популярность, поэтому новую жизнь в них вдохнуло их красочное оформление. Судзуки Харунобу был первым, кто оживил гравюрное искусство посредством красок.
На начальном этапе становления цветного варианта гравюр, работы дорабатывались с помощью тонких кистей, чтобы точно положить краски на оформляемый объект или персонаж. На смену подобному способу нанесения красок, пришла технология двух- трехцветной печати. Повышая свое мастерство, Судзуки Харунобу, на основе зеленой и розовой красок, стал расширять гамму применяемых оттенков, позволив гравюрам в полной мере раскрыть создаваемые образы природы и людей.
Секреты изготовления японских гравюр
Современные мастера строго придерживаются многовековых традиций гравюрного печатания. Японская ксилография – это совместные усилия трех специалистов: художника, резчика по дереву и печатника.
На первом этапе происходит разработка рисунка, тема которого может быть разной, начиная от портрета, заканчивая ликами природы. Готовый эскиз носит название «сита-э».
Далее в работу включается резчик гравюр. Материалом для гравюр служат такие породы дерева, как груша либо горная вишня. Эти массивы наиболее податливы для резцов, позволяют провести ювелирную резьбу, без сколов. На ровную поверхность дощечки плотно укладывается рисунок. По контурам рисунка мастер-резчик производит резьбу. Те зоны будущей гравюры, которые необходимо оставить неокрашенными, углубляются посредством специальных резцов. С полученной основной гравюрной доски «омохан», при помощи отпечатка производятся дополнительные доски, служащие для нанесения определенного цвета. В зависимости от того, сколько используется чистых цветов краски, изготовляется столько же печатных второстепенных досок «кёогосури».
Завершающая операция по производству японских гравюр – мастерство печатника. В его обязанности входит не только качество печати, но и приготовление красок. Красители могут быть как минерального происхождения, так и растительного. Обязательной составляющей красок является рисовая паста. Бумага, на которую наносится гравюрный рисунок, называется «васи». Структура «васи» отличается особой плотностью, позволяя краскам ложиться ровно. Непосредственный оттиск печатником производится с помощью«барэн» — специального ручного приспособления с идеально ровной плоскостью.
Нравятся ли вам японские гравюры? В комментариях прикрепите ваши любимые.
Начинать изучение японского языка следует с японкой азбуки, но если самостоятельное обучение вам никак не удаётся, пройдите наш недельный курс и начните писать и читать по-японски уже через неделю.
